Abraham en movimiento: Pavimento. | London Theatre Direct

La obra de Abraham es impactante desde el principio. Su capacidad para fusionar estilos de danza contemporánea, jazz y vernácula refleja la cultura y el contexto de su lugar de nacimiento. Toda la obra se desarrolla a la sombra de una cancha de baloncesto, cuyo tablero se utiliza para proyectar imágenes. El público entra al ritmo de una banda sonora de hip-hop que marca el tono. En el apartado sonoro, la mejor forma de describir lo que se escucha es un paisaje sonoro. Abraham ha utilizado clásicos de hip-hop, fragmentos de la película, la ópera, las voces de los bailarines y los sonidos percusivos de sus pies para componer Pavement. Abraham habla sobre la yuxtaposición de la ópera con el trasfondo cultural de Pittsburgh, y la violencia que se refleja en ambos y se refleja en el escenario. El uso de las voces y los diálogos de los bailarines ancla la pieza en un lugar concreto, y hay una sección donde el único sonido que se oye son los pies de la compañía mientras corren en círculos a ritmos variables por el escenario. La culminación de estos diversos detalles crea un paisaje sonoro suntuoso y añade a la forma en que se transmite el mensaje. La iluminación de Dan Scully es un testimonio de cómo la luz realza una pieza si se ejecuta correctamente. Desde simples lavados hasta las luces de las sirenas a todo lo que hay entre medias, la iluminación era otra capa de autenticidad que servía para ofrecer una experiencia sensorial completa. Mi única crítica es el ritmo general. Hubo momentos de conmovedor, que se sintieron, pero se prolongaron demasiado. A pesar de ello, Abraham aprovecha bien a sus bailarines tanto en conjunto, como en dúos, tríos y solos, para dar vida a la obra. Su vocabulario de líneas fuertes, levantamientos y agarres complicados es como el mensaje de Pavement: claro. Lo más llamativo de todos los elementos de Pavement son las imágenes y el simbolismo. Los altercados estilizados y los motivos de hombres negros colocados boca abajo en el suelo y su mensaje es inconfundible. Las tensiones crecientes en la pista, junto con los sonidos de Boyz n The Hood y los gritos desgarradores de un bailarín suplicando ayuda mientras suena una sirena y él es envuelto por los demás, es una imagen visceral de la incapacidad para escapar. Los gestos y los motivos repetidos actuaron como puntos de referencia para las injusticias que sufría la comunidad, concentrando toda la obra en torno a conversaciones sobre identidad y comunidad. La [danza](https://www.londontheatredirect.com/dance-and-ballet) es tanto una alegoría (en sus lugares estilizados) como real (donde incorpora la danza vernáculo) que ancla la pieza en un lugar cultural. Pavement es una obra visceral y muy meditada. Hay pensamiento en el más mínimo detalle, desde notar que la única bailarina es la única que no tiene altercados hasta (a mitad de la pieza), las zapatillas colgadas de cables telefónicos. Habla del espíritu de los movimientos por la igualdad que surgen de la injusticia. Para ser una obra basada en una película de 1991 y creada en 2012, sigue siendo poderosa y relevante. ¡Más, por favor!